Marzo 3 a mayo 5 de 2016
Marzo 3
Introducción a la Zona C: Arte y Cine
¿Qué chispas emergen del encuentro entre cine y arte? Este ciclo de charlas traza algunas líneas en la constelación de modos de imaginar el mundo y negociar con lo real de ambos campos, sus préstamos técnicos y de lenguaje. Tendremos siete invitados que exploran estos cruces desde prácticas distintas como la dirección de cine, la arqueología experimental, la historia, la producción artística y la investigación académica.
Marzo 10
Andrés Burbano
New Dunites es un proyecto de sitio especifico que integra un proceso de investigación y una instalación multimedia. Investiga un lugar geográfico con mucha riqueza histórica en un intento por articular la intersección de dos conceptos distintos: “Arqueología de los medios” – un término acuñado y desarrollado por autores como Siegfried Zielinski, Friedrich Kittler y Erkki Huhtamo, que reflexiona sobre las tecnologías del presente en relación a las historias técnicas y sociales de las cuales emergieron- y “Pasos hacia una ecología” – que parte del trabajo del filosofo y cibernetista Gregory Bateson -. Beatson entendió la noción de ecología no como algo dado sino como un lugar al que se llega a través de una preparación cuidadosa.
El trabajo de Andrés Burbano explora las intersecciones entre ciencia, arte y tecnología desde diferentes campos de estudio: la investigación, la producción artística y el desarrollo de proyectos colaborativos con otros artistas y diseñadores. Su trabajo abarca soportes como el video documental, la exploración de narrativas cinematográficas algorítmicas, el arte sonoro y las telecomunicaciones. Es PhD en Artes Mediales y Tecnología de la Universidad de California Santa Bárbara. Actualmente es Profesor Asistente en el departamento de Diseño de la Universidad de los Andes.
Marzo 17
Colectivo Maski
Cinema Insostenible
En 2004, el Colectivo Maski inició un proceso de investigación documental y de campo sobre el estado de deterioro presente en las salas de cine que funcionaron tradicionalmente en el espacio urbano de Bogotá; buena parte de estas transformaciones, mutaciones y abandonos corresponden a procesos de transformación en las prácticas de consumo y distribución en torno al cine como espectáculo. A partir de esta documentación el Colectivo Maski ha desarrollado procesos de creación que señalan aquel proceso y sus problemáticas. Cinema Insostenible se propuso entender el cine como un fenómeno técnico y de masas que transformó la experiencia en el siglo XX relacionando su naturaleza visual con un aparataje arquitectónico que no solo le hizo posible, sino que además produjo toda una serie de dinámicas en torno a la decoración, el estilo y la alegoría en relación a un edificio, considerar el traslado de los cinematógrafos desde el espacio publico hacia el lugar controlado del centro comercial es una evidencia de una nueva forma de experiencia en la que el consumo y el mercado dirigen el desarrollo del espacio y la oferta cinematográfica.
Conformado desde 2005 por Juan David Laserna, Camilo Ordóñez y Jairo Suárez, el Colectivo Maski ha servido como plataforma para el desarrollo de proyectos de creación colectiva apoyados en investigación documental y de campo, y particularmente interesados en problemáticas relacionadas con la arquitectura moderna y la ciudad.
Marzo 31
Mariana Dicker
Quedar boquiabierto
A partir de fragmentos sacados de películas, propone una serie de reflexiones sobre algunos mitos que nos hablan sobre el problema de la mirada, lo prohibido, sensaciones de saltos al vacío, fuerzas nocturnas, húmedas que aluden al movimiento del mar y de pájaros volando. La idea es intentar revelar los lugares visuales y conexiones que fueron apareciendo a partir de la construcción y apropiación de dichos archivos cinematográficos, los cuales permitieron imaginar y dar forma a dos proyectos de creación (Presas de Diana y Noche sexual).
Mariana Dicker es artista plástica de la Universidad Jorge Tadeo Lozano y Magister en Artes plásticas y visuales de la Universidad Nacional de Colombia.
Abril 7
Manuel Kalmanovitz
Momentos relampagueantes
Los "momentos relampaguéantes" son una figura que usan varios escritores para describir la intriga que les despiertan algunas imágenes de su pasado. En esta charla trataré de relacionar esa intuición existencial con el cine, el arte "relamplagueante" por definición.
Manuel Kalmanovitz dirige, diagrama y a veces ilustra la revista Matera, que circula desde 2009; escribió e ilustró el libro Bogotá con mar y toca guitarra con el grupo Las malas amistades. También dicta clases en la carrera de Artes visuales de la Universidad Javeriana y hace las reseñas de cine de la revista Semana. Como periodista trabajó en El Tiempo y El Espectador y ha sido colaborador de diversas publicaciones. Es graduado de cine y televisión de la Universidad Nacional y tiene una maestría en Teoría del Cine y la Televisión de Birkbeck University en Londres.
Abril 14
Proyección de Un Tigre de papel, Luis Ospina
Abril 21
Daniel Bonilla
Bitácoras de la falsedad en el cine y el arte
¿A qué nos referimos cuando decimos que una obra de arte es falsa? ¿Qué sucede con las falsificaciones o reproducciones que en ocasiones adquieren más valor que las obras originales? ¿Qué pasa con esas copias sin original tan frecuentes en el arte contemporáneo? No son pocos los críticos de arte, investigadores, académicos y artistas que han construido discursos para abordar dichos interrogantes. Pero también algunos directores de cine. Es así que no es infrecuente encontrar películas de toda índole y procedencia que desde la ficción o el documental han intentado bordear el asunto de los simulacros en el arte, siguiendo las elaboraciones del filósofo francés Jean Baudrillard, y que en estricto han ahondado en eso que desde muchas orillas se enuncia como la crisis de la representación. A través de la revisión de los documentales F for Fake, de Orson Welles; Exit trough the gift shop, dirigido por Banksy, y Un tigre de papel, del colombiano Luis Ospina, nos acercaremos en esta charla a algunas maneras en las que el cine ha dado cuenta de la siempre problemática dicotomía entre la verdad y la mentira en el arte.
Daniel Bonilla es profesional en Estudios Literarios de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y aspirante al título de Magíster en Psicoanálisis, Subjetividad y Cultura en la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido realizador de programas radiales en la emisora Javeriana Estéreo 91.9 FM; editor de contenidos web y bloguero de cine en el portal En Órbita, y curador de cine del canal Señal Colombia. Actualmente está a cargo de las asignaturas “Teoría de la percepción y la estética del cine” y “Géneros y formatos argumentales”, para el programa de cinematografía de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, donde además ha impartido las cátedras de “Historia del cine europeo” e “Historia del cine norteamericano”.
Abril 28
Mauricio Durán
La máquina cinematográfica y el arte moderno
Las relaciones entre las vanguardias modernas (desde los diferentes movimientos expresionistas hasta el surrealismo) y el cine (desde sus primeros e inseguros balbuceos hasta sus potencias expresivas durante el cine mudo), esto enmarcado antes del surgimiento de nuevos realismos y realismos de propaganda que cierra la vital eclosión de los experimentos vanguardistas y del cine sonoro, fenómenos estos aprovechados por el surgimiento de las distintas propuestas totalitaristas que llevarán hacia la II Guerra Mundial. Un gran acercamiento entre las poéticas de las vanguardias y ciertas técnicas del cine mudo es su interés común por la fragmentación, el collage y el montaje, que coinciden con un contexto de cambios de percepción y concepción del mundo en las artes y las ciencias. Experimentos y teorías que se encuentran en manifiestos, obras plásticas, literarias y productos cinematográficos.
Mauricio Durán es arquitecto de la Universidad de los Andes y Magister en Filosofía de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Crítico e investigador de cine. Profesor de planta e investigador del Departamento de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá. Director de la Maestría en Creación Audiovisual. Autor del libro La Máquina Cinematográfica y el arte moderno (Editorial Pontificia Universidad Javeriana, Bogotá, 2009), y de diversos artículos sobre cine y cultura para libros y revistas. Ha sido docente de la Universidad Nacional de Colombia, la Universidad de los Andes y la Universidad Central. Conferencista invitado a eventos en Buenos Aires, Lima, Santiago de Chile y Caracas.
Mayo 5
Luis Ospina
Sobre Un Tigre de papel
La vida de Pedro Manrique Figueroa, precursor del collage en Colombia, no está escrita por nadie, y por una razón poderosa: se parece demasiado a una novela de aventuras, a la vez incompleta y contradictoria, siempre vinculada a las centelleantes incertidumbres de la tradición oral. Utilizando como pretexto la vida y obra de Manrique Figueroa, la película hace un recorrido por la historia desde 1934 hasta 1981, año de la misteriosa desaparición del artista. A la manera de un collage, Un tigre de papel yuxtapone el arte con la política, la verdad con la mentira, el documental con la ficción.
Luis Ospina estudió cine en la Universidad del Sur de California USC y la Universidad de California UCLA. Sus películas han obtenido premios en los festivales internacionales de Oberhausen, Cádiz, Toulouse, Bilbao, Sitges, Habana, Biarritz, Lima, Caracas, Bogotá y Cartagena. Su película Un tigre de papel (2007) ha ganado el Premio Nacional Documental, Ministerio de Cultura, Premio Especial del Jurado, Festival Internacional de Miami, Premio Especial del Jurado, Rencontre Cinémas d’Amerique Latine, Toulouse, Premio TeleSur al Mejor Documental Latinoamericano EDOC, Segundo Premio al Mejor Documental, Festival de Lima, Mejor Documental de la revista “Revolución y Cultura”, Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. En 2010 el Ministerio de Cultura le otorga el Premio “Toda una vida dedicada al cine”.